jueves, 26 de marzo de 2020

El mundo Dolan: Matthias & Maxime

La pudimos ver hace nada en el Festival Americana de Barcelona, unos días antes de que el mundo se parara, como en una de esas película de catástrofes que nos hemos hartado de consumir. La vida, en dos semanas, se ha escondido entre nuestras cuatro paredes. Balcones aparte. Y la cultura la estamos consumiendo de forma digital. Ya era la tendencia, sí. Pero ahora por causas mayores. E innegociables. Filmin se apunta al carro de las exclusivas de estos días y una vez más vuelve a reivindicarse, a luchar contra los gigantes que todos conocemos (y consumimos), como mejor sabe, acercándonos al mejor cine de autor. Por ello, Matthias & Maxime, la nueva película de Xavier Dolan, se estrenará en exclusiva en esta plataforma. Pero si la queréis ver aprovechad porque estará por un tiempo muy limitado. Exactamente 48 horas, entre el viernes 27 de marzo a las 20:00h y hasta el domingo 29, a la misma hora. ¿El precio? Pues 5'95 euros. Y a verla toda la familia.



Matthias & Maxime es el séptimo largometraje de ese canadiense, natural del Quebec,  que hace años se presenta en los festivales con la etiqueta de "enfant terrible". Y la verdad es que Dolan, a sus 30 años, pese a su juventud, cada vez es menos "enfant" y quizás lo de "terrible" ya le empieza a quedar grande.
Pero vayamos por partes. Porque hace 10 años Dolan si era "enfant". Y estrenó su primera película Yo maté a mi madre. Y la escribió y la interpretó. Y ya estaban algunos de sus tics, como una relación enfermiza con la madre y la furia, la histeria. Esa que se mantiene hasta el día de hoy y que tanto divide al espectador. No se enteró entonces mucha gente de su existencia. Pero la Quincena de Realizadores de Cannes ya la mimó. Los amores imaginarios escaló en Cannes, ganando el premio a mejor película en Un Certain Regard. Ahora Dolan sí que empezaba a ser "vox populi" entre el sector más cinéfilo. De nuevo dirigía, guionizaba y actuaba. ¿La temática? Un triángulo amoroso con la homosexualidad y la estética artificiosa y colorista como marcas de estilo. Y la importancia de la música. Se lo comparó a Almodóvar.  La histeria, la homosexualidad, la música y la estética. Sus rasgos inconfundibles. Los que arrastra hasta ahora. Tenía 20 años. 
Pero lo mejor todavía estaba por llegar. En Laurence Anyways, un afectado melodrama de amor y amistad entre una transexual y la mujer que fue su novia, su estilo se radicaliza, su estética colorista se acerca al videoclip y su guión humanista emociona. No aparecía él como actor (lo que en mi opinión es un acierto) y estaba enorme Suzanne Clément, que ganó el premio a la mejor actriz, de nuevo en Un Certain regard. De estética algo más contenida y con algunos toques diferenciales, Tom à la ferme pasó algo más desapercibida. Estaba la homosexualidad y la madre. Y él de protagonista principal, pero para algunos fue un paso atrás en la obra del director quebequés. Entonces llegó Mommy, la madurez que todos vaticinaban que terminaría por llegar en alguien tan joven. Melodrama de adolescente problemático con esa ampliación de la pantalla tan memorable por parte del protagonista cuando su mundo parece emerger. Una maravilla que cosechó críticas enormes y numerosos premios, entre ellos el Premio del Jurado en su Cannes. Pero entonces, como suele pasar,  Dolan continúa su carrera con dos largometrajes que pasan por taquillas y festivales sin pena ni gloria: en primer lugar Solo el fin del mundo, aunque Cannes sí le da un premio gordo, con un Vincent Cassel al borde de la histeria y finalmente The Death & Life of John F. Donovan, ignorada incluso por el festival francés pese a su espectacular reparto con Natalie Portman, Thandie Newton, Susan Sarandon y Kathy Bate, acompañadas por un principal como Kit Harington, aprovechando el cénit de su fama gracias a Juego de Tronos.  

Y ahora, 10 años después de Yo maté a mi madre tenemos Matthias & Maxime, con un Dolan de 30 años que busca recuperar el reconocimiento que nunca perdió, pero que se ha visto ligeramente atenuado en los últimos años. En parte por sus películas y en parte porque toca. Ya sabemos como funcionan las parábolas en esto de la fama, el prestigio y la crítica. 
En su nueva película Dolan vuelve una vez más a sus temas recurrentes, aunque con un estilo más depurado y menos pop. Algo que ya venía haciendo en su último cine. Un poco como en su momento hizo uno de sus referentes, Pedro Almodóvar. Se desnuda de gran parte de su imaginario visual y se centra en una historia de amor y amistad que busca conmover al espectador. Pero más allá de este estilo más neutro tenemos todos sus tics. En primer lugar Xavier Dolan vuelve a primera línea protagónica. Y ya me perdonaréis pero es que a mí el Dolan actor no me termina de convencer. Su partenaire  Gabriel D'Almeida Freitas, demuestra mucho mayor (y mejor) registro. La madre agobiante tiene un peso importante en la trama. Pero todo parece una copia un poco caduca de esa relación que ya vimos en su ópera prima hace ya 10 años. Y a la histeria de la madre hay que sumar esa histeria de diálogos pisándose unos a otros, que sobre todo ya disfrutamos o sufrimos en Solo el fin del mundo. Es marca de estilo. Para bien o para mal. Y cada uno se situara en un lado, el de los fascinados a agobiados, según sus gustos. La homosexualidad es el tema clave del relato. En este caso más si cabe porque las historias de amor lo son, sean del perfil que sean, y etiquetarlas por orientaciones me parece un ejercicio algo anticuado. Pero es que aquí la negación de la homosexualidad por parte de uno de los dos protagonistas será el tema central. Los agobios, las consecuencias. El deseo reprimido. La amistad rota. En esos momentos íntimos es cuando la cinta de Dolan brilla más. Mención aparte de sus momentos musicales. Con una  selección musical excelente y con el típico momento en que sus protagonistas rompen a cantar y todo sube, la adrenalina, la emoción, la pasión. Porque el celuloide se carga de vida. Allí Dolan siempre brilla. Y en esta película no es menos. El resto, en mi opinión, muy irregular. Con algunos momentos que desgastan, en que no puedes evitar la sensación de dejà vú y otros en que el talento de este "enfant terrible", cada vez menos enfant y cada vez menos terrible, todavía permanece.










martes, 17 de marzo de 2020

Cine de terror mudo (1895-1929): 12 propuestas


El propósito de hoy es hablar de cine de terror pretérito, es decir, de aquel rodado entre los orígenes del cine y el 1929, que podríamos englobar poco más o menos dentro de la etapa muda del cine. 
Buscando listados por internet de esta época me he dado cuenta de que los mismos brillan por su ausencia. Los años 30 son otra cosa y ya podemos encontrar varios blogs y revistas digitales que le dedican apartados al cine de terror de estos años. Pero el terror mudo está muy poco tratado por estas lares y mi intención es, con un personal top-12, aportar mi pequeño granito de arena para llenar este hueco.
Lo primero que caber decir es que salvo contadísimas excepciones, el género de terror en los primeros años del cinematógrafo es un género que probablemente no se concibe como tal y que por lo tanto, visto desde los ojos viciados de hoy día, a veces cuesta delimitarlo. Además de nuestra perdida de la inocencia las fronteras genéricas en estos primeros films son muy tenues y se suele mezclar ciertos aspectos terroríficos con otros que nos acercan al drama o incluso a la comedia. A la hora de elaborar esta lista me he basado en mi absoluta subjetividad y he descartado películas que me cuesta ver como cintas de terror incluyendo otras que quizás os cueste ver a vosotros, pero como toda lista es opinable y solo pretende ser un primer paso para que quien quiera profundizar más en el cine de terror de estos años.
Cabe decir que en estos primeros años se suele considerar que el expresionismo alemán contiene algunas de las características que luego desembocarían en el cine de terror que conocemos. En algunos casos incluiré cintas expresionistas por parecerme cercanas a este terror citado y en otros (Fausto y todas sus versiones y variantes, El Golem, Waxwords, etc...) no lo haré pues me cuesta ver en ellas más allá de ciertas estéticas una relación demasiado directa con el terror. También he obviado algunas otras películas porque no me gustan (caso de Las manos de Orlac, por ejemplo) o porque pese a sus títulos no tienen ningún elemento que yo pueda considerar que las acerca al género de terror (como Genuine: A tale of vampire o Los ojos de la momia, así como los títulos de Méliès o Segundo de Chomón) Pero conste que cada uno lo verá a su manera. Sin más, mi top-12 de cine de terror desde los orígenes del cine hasta 1929 en orden ascendente. Espero continuar algún día con estas listas.


12- Frankenstein (1910) de J. Searle Dawley

Breve apunte: Varios cortos mudos, la mayoría de Mèliés o Segundo de Chomón incluyen personajes cercanos al terror pero su tratamiento es más bien cómico. Sin embargo, este Frankenstein de uno de los discípulos de Edison sí tiene la intención de inquietar y es sin duda una muestra de lo que podemos considerar el cine de terror más pretérito. La muy libre y muy breve adaptación de la obra de Mary Shelley contiene un monstruo y algunas escenas, como la de su aparición, que debieron resultar inquietantes para la época.

Lo mejor: El deseo de inquietar, las apariciones del monstruo.

Lo peor: Que hoy pueda provocar más risa que miedo y sin duda, ese final tan de la época que visto ahora da vergüenza ajena.


Podéis ver la película completa en Youtube con subtítulos en español.







11- L'inferno (1911) de Giuseppe de Liguoro, Francesco Bertolini, Adolfo Padovan

Breve apunte: Es cierto que este Infierno basado muy libremente en la Divina Comedia y con un pie en el surrealismo está muy alejado de lo que hoy día podríamos considerar una cinta de terror pero las trabajadas secuencias del infierno no pretenden otra cosa que provocar pavor en el espectador. Pavor al infierno. Y quizás para una persona creyente de la época nada más terrorífico que esta aproximación a visualizar por primera vez en cine lo que hasta entonces había imaginado y solo había sido mostrado o descrito por otras disciplinas artísticas.

Lo mejor: Varias secuencias muy inquietantes y curradas para la época, como la de los cuerpos enterrados de los que solo vemos la cabeza.

Lo peor: Sus decorados, obviamente hoy son de cartón piedra y se ve más como curiosidad que otra cosa. 



Se puede ver en Youtube con intertítulos en inglés y calidad justita. Está editada en dvd y también se puede descargar por la red fácilmente con subtítulos en español.




10- La chute de la maison Usher (La caída de la casa Usher) (1928) de Jean Epstein

Breve apunte: La adaptación del famosos cuento de Edgar Allan Poe (hay un cortometraje anterior absolutamente surrealista y muy alejado del terror) prueba de emular algunos de los rasgos góticos, decadentes pero poéticos del relato. Al relato le cuesta arrancar y funcionar en el arte narrativo del cine porque en sí las imágenes tampoco logran llenar la pantalla. Pero es un buen intento y tiene un gran momento de aparición bastante terrorífico.

Lo mejor: El citado momento fantasmal y el ambiente gótico en general

Lo peor: Complicada de adaptar en imágenes, la película se resiente y en algunos fragmentos resulta tediosa. 





En este caso está por Youtube con subtítulos en francés. Pero como la anterior es fácilmente descargable por la red y hay subtítulos en español.





9-The penalty (El hombre sin piernas) (1920) de Wallace Worsley

Breve apunte: Drama, cine de gangsters e historia de amor se unen en esta cinta en que el terror viene dado por la inquietante interpretación de Lon Chaney buscando venganza y por esa brutal representación del tullido. Multigenérica y amena solo se pierde en ciertas incongruencias de guión pero se disfruta mucho. Se puede considerar de terror muy por la tangente hoy en día. Pero ubicados a inicios de los 20 seguro que lo era. Mantiene cierto rollo inquietante.

Lo mejor: Lon Chaney, brutal y la sorprendente verosimilitud de su estado sin piernas

Lo peor: El guión a veces se lía en exceso. Y la moralina final, claro.






Os dejo uyna excelente versión en HD del Youtube, con intertítulos en inglés, pero vamos, muy fáciles incluso para los que no dominamos mucho. Y si no ya sabéis, la bendita red...





8- Garras humanas (The unknown) (1927) de Tod Browning

Breve apunte: Tod Browning, que sería el director de cine de terror más importante en los años 30 junto a James Whale, realiza con The Unknown su primera gran película (la anterior, la mítica y desaparecida London after midnight no podemos valorarla). Más que terror se trata de un cuento muy cruel, una historia de amor y dolor terrible en el entorno del circo donde de nuevo, el punto inquietante lo pone un siempre terrorífico (y en este caso tierno) Lon Chaney.

Lo mejor: Sin duda las caras de Lon Chaney, un auténtico recital. Pero también esa escena de cuchillos dejando en ropa interior a una sexy Joan Crawford en una secuencia muy atrevida o la tensión que se logra en esa escena final con los caballos. Mención aparte los enormes escenarios de la nefasta operación a la que se va someter nuestro protagonista.

Lo peor: Un final repentino con moraleja. Que sabe a poco.

En este caso no la he localizado para visionarla online, pero la podéis encontrar sin problemas por la red, subtítulos incluidos. Os dejo un excepcional fragmento, para que veáis lo que hace el bueno de Lon Chaney con su rostro...




7- Dr. Jekyll and Mr. Hyde (El hombre y la bestia) (1920) de JohnS. Robertson

Breve apunte: Prematura versión del tan aprovechado por el cine relato del Dr. Jekyll y Mr. Hyde. Una historia de poder, de amor y pasión pero también que deja al descubierto los instintos más primitivos del hombre. Sin llegar a los niveles de atrevimiento de su posterior versión en los 30 la película ya plantea sin deamasiado pudor esa creciente ansia sexual del protagonista que termina por perderle.

Lo mejor: Este atrevimiento a incluir componentes sexuales en la trama. La actuación de John Barrymore. Esa transformación que hoy vemos tan arcaica pero que está cargada de encanto.

Lo peor: Es muy irregular y no puede prescindir de la moralina tan habitual en aquella época. Tiene minutos muertos.




La podemos ver en Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/dr-jekyll-y-mr-hyde

Os dejo la transformación...





6- Suspense (1913) de Phillips Smalley, Lois Weber

Breve apunte: Muy sorprendente este cortometraje de apenas 10 minutos co-dirigido por una mujer por varios motivos. En primer lugar por sus planos arriesgados y vanguardistas (pantalla partida en 3, retrovisor, ladrón visto desde arriba...). En segundo lugar por mostrar una situación terrorífica que después se mostrará en cintas de terror hacia la saciedad: la mujer que se queda sola en casa y es amenazada por alguien que logra colarse dentro. Es obvio que la intención de la película se aleja del terror como lo conocemos hoy en día, pero es más aproximada al género que muchas de las así consideradas con posterioridad. Y muy desconocida. Descubrirla.

Lo mejor: Sus planos experimentales, arriesgados, vanguardistas y a veces imposibles que la acercan al onirismo.

Lo peor: Su inocencia. 




Aquí no hay más texto que una breve carta en inglés. No os la perdáis.




5-The cat and the canary (El legado tenebroso) (1927) de Paul Leni

Breve apunte: Una historia en donde se juntan mansiones encantadas, fantasmas, locos fugados del manicomio y un testamento que puede hacer de cualquiera de sus posibles receptores un potencial asesino es sin duda digno de figurar en un lugar de honor en esta lista debido a la vigencia de los muchos temas que trata y por lo que intuyo ha influenciado a posteriores películas que se han ido influenciando respectivamente hasta nuestros días.

Lo mejor: Sin duda esa casa encantada con múltiples escondrijos y esa mano terrorífica atacando a sus ocupantes.

Lo peor: El conjunto respira mucha irregularidad y a veces parece no saber muy bien a dónde ir. Además hoy en día su previsibilidad es obvia. 




La podéis encontrar en Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/el-legado-tenebroso .
Os dejo una secuencia.






4- Häxan: la brujería a través de los tiempos (1922) de Benjamin Christensen

Breve apunte: Para todos aquellos que penséis que esos híbridos entre documental y ficción tan de moda hoy en día son un fenómeno reciente echar una mirada a esta cinta danesa de hace 92 años. De rotunda modernidad, mezcla documental didáctico con documental ficcionado y nos habla de la "brujería" y de sus consecuencias en distintas épocas. Tampoco faltan culto a demonios, iglesia, locuras y patologías varias, instrumentos de tortura incluidos. Una extraordinaria rareza.

Lo mejor: Su plasmación del imaginario telúrico con demonios y brujas usando sobreimpresiones, animaciones y extraordinario maquillaje.Los episodios 3 y 4, estremecedores, donde vemos el modo de actuar de la Inquisición y que nos tememos se parecía mucho a lo mostrado.

Lo peor: Pierde bastante interés en sus últimos capítulos

Se puede ver en Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/haxan
Os dejo el trailer.





3- The phantom of the opera (El fantasma de la ópera) (1925) de Rupert Julian

Breve apunte: La primera versión que conocemos del famoso fantasma tiene muchos aciertos y quizás es una de las primeras películas que podemos considerar de terror puro de la historia del cine. Un loco deformado que secuestra a una chica a las catacumbas de la ópera y que quiere forzarla a que le ame y un final que seguro después influenció a Frankenstein años después.

Lo mejor: Esas trampillas, pasadizos secretos, cristales con un mundo detrás que llenan las catacumbas de la ópera. El juego de luces y sombras de la película y por supuesto, una vez más, el omnipresente y magnífico Lon Chaney. El momento en que se descubre su cara...

Lo peor: Cierto exceso amoroso melodramático, muy de aquella época, así como también el típico humor de contrapunto que hoy en día casi nunca resulta. 




También esta en Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/el-fantasma-de-la-opera-1925
Os dejo la escena en que se le ve a cara a Lon Chaney...




2- El gabinete del doctor Caligari (1920) de Robert Wiene

Breve apunte: La más radical muestra de ese movimiento que empezaría a conocerse como expresionismo alemán, El gabinete del doctor Caligari es una película única que más allá de su estética se adelanta a su tiempo componiendo una historia en la que el plano real y el de la locura se solapan y se retroalimentan. Su influencia seguirá hasta nuestros días con muchísimo cine incluido Lynch o Shutter Island de Scorsese.

Lo mejor: Sus escenarios cartón piedra alucinógenos e irreales, el onirismo de la feria, el fascinante manicomio lleno de locos  y obviamente el secuestro por los tejados

Lo peor: Muy poca cosa, pero diremos el hecho implícito del expresionismo, con sus exageraciones interpretativas que puedan echar a alguno para atrás o un pequeño bajón climático en el segundo tercio de la cinta.



También en Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/el-gabinete-del-doctor-caligari
Os dejo un trailer.




1- Nosferatu (1922) de F.W.Murnau

Breve apunte: Una de la varias obras maestras de F.W.Murnau, adaptación encubierta del Drácula de Bram Stoker que después le traería al director problemas por no haber comprado los derechos del libro. Obra clave del expresionismo alemán y relato fiel en esencia, sobre todo de la primera parte de la novela, la cinta de Murnau se puede considerar uno de las únicas películas de terror puro de la etapa del cine mudo.

Lo mejor: La terrorífica interpretación y caracterización de Max Schreck animalizando al vampiro de forma magistral. Las escenas del barco, con Nosferatu levantándose o en la cubierta. Nosferatu succionando largo rato, de forma terrorífica, el cuello de la chica. La ambientación. La vaporosidad. La irrealidad onírica. Como logra capturar la esencia del terror.

Lo peor: Quizás decae un poco en la primera parte del quinto acto, con el tema peste. Y ese Nosferatu andando a la luz del So, ¿es un demérito, un fallo o hay algo más? Un demérito que tiene el encanto de llenar páginas y páginas de críticas, opiniones e interpretaciones.

Obviamente, también en Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/nosferatu
Hay un trailer fantástico...

















Y como bonus, si queréis ver algunas de las primeras imágenes de monstruos del cine, os dejo un vídeo compendio, con escenas de películas que van del 1896 al 1910 (excepto Frankenstein no hay ninguna en la lista), que vistas así y con música tienen su rollo terror pero vistas en su conjunto poquito. En cualquier caso la primera semilla del cine de terror, sin ninguna duda está en estas películas pioneras. 



miércoles, 4 de marzo de 2020

Primera sesión cinematográfica de los hermanos Lumière


El sábado 28 de diciembre de 1895, a las seis de la tarde hora francesa, en el Salón Indien del Gran Café de París, tuvo lugar la primera proyección cinematográfica de la historia del cine. Seguro que todos vosotros habréis oído hablar de esa sesión e incluso algunos, habréis intentado ver las diez películas que componían la misma. Pero, ¿cuánto hace de ello? ¿Seguro que visteis las películas correctas? Y lo digo porque cuando yo empecé a interesarme por esto del cine leí libros en los que la primera sesión no se parecía en nada a la que hoy parece confirmada por el Instituto Lumière. En aquellos años (y no hace tanto) siempre se hablaba que la mítica película de "La llegada del tren" estuvo es esa sesión. Parece que no. También solía decirse que "El regador regado" considerada la primera ficción cinematográfica se incluyó después en el programa. Pues tampoco. Parece que ya estaba en esa primera sesión. Así que para curiosos, interesados y confundidos, vamos a repasar un poco las diez películas, todas de menos de un minuto, que se proyectaron ese mítico día.


                                  
Lo que sí parece claro es que los espectadores fueron 33 (había 100 sillas preparadas que no se llenaron), que la entrada valía un franco y que los hermanos Lumière (Auguste y Louis) no estaban presentes en la sala y que de proyectar las películas se encargaba el padre de ambos. Otra cosa curiosa es que entre película y película se debía parar dos minutos para realizar el cambio de film, así que claramente, el tiempo de espera entre cinta y cinta era superior a la duración de la mismas.


Sé que el ejercicio es difícil, pero cerrad las luces, imaginaos en un sótano de un café de París a punto de ver unas imágenes fotográficas en movimiento que se presentan como una primicia a los espectadores presentes, como un invento, como una curiosidad. Coged el programa de arriba. Quitaos el sombrero de copa y atentos. Así empezó todo...


1- La sortie de l'usine Lumière a Lyon

En realidad esta película había sido la primera en exhibirse unos meses antes de la proyección que nos ocupa. Fue el 22 de marzo de 1985 (había sido rodada tres días antes, el 19 de marzo) en la Societé d'Encouragament a l'Industrie Nac. El film nos muestra a trabajadores, principalmente mujeres, que terminado su turno de trabajo abandonan la fábrica Lumière de Lyon.
Lo que quizás ya no sepáis es que de la misma escena se hicieron tres tomas fácilmente distinguibles por los carruajes que aparecen al final. La primera toma termina con un carruaje arrastrado por un caballo. La segunda con un carruaje, en este caso arrastrado por dos caballos. La tercera carece de carruaje. Como no sé cual se exhibió ese 28 de diciembre (si alguien lo sabe que lo aporte) y además así tiene más gracia, a continuación los tres cortos proyectados uno detrás del otro y después, simultáneamente. Muy curioso.








2- La voltige

Rodado en Rhone-Alpes (Lyon) por Louis Lumière, la película nos muestra los intentos de un hombre para subirse a un caballo. En realidad ya tiene una finalidad cómica y cierto tono del posterior género slapstick, aunque en realidad se nos vende como escena cotidiana. ¿Estaremos ante el primer mockumentary de la historia? Y nosotros que nos creíamos tan modernos...



3- La Pêche aux poissons rouges

Otra escena rodada por Louis Lumière también en la región de Lyon de Rhone- Alpes. En este caso se trata de una escena cotidiana sin más de una niña intentando coger el pez de una pecera.




4- Le Débarquement du Congrès de Photografie à Lyon


Esta escena de desembarco, también fue exhibida a sus protagonistas de forma privada la misma tarde a la filmación y por tanto, antes de la primera proyección pública del cinematógrafo. Los protagonistas son miembros del congreso de fotografía que tuvo lugar en  Neuville-sur-Saone y el último en aparecer con un trípode y una cámara es el conocido astrónomo Pierre Jules César Janssen  que junto con Norman Lockyer descubrió y dio nombre al elemento del helio.



5- Les Forgerons

Atención porque ahora nos podríamos encontrar ante el primer remake de la historia del cine, concretamente de Blacksmith scene, rodado dos años antes por Edison con el Kinetoscopio, que como muchos sabéis es considerado por muchos el auténtico inventor del cine, aunque perdió la guerra de patentes. Que la tecnología de hoy nos permita comparar es un lujo.




6- L'Arroseur arrosé

El jardinero de verdad de Louis Lumière, François Clerc es el  jardinero que aparece en el film. El nombre del chico es Benoît Duval que en realidad era una aprendiz que trabajaba de carpintero en la fábrica Lumière.
La película se considera la primera comedia y también la primera ficción cinematográfica. Un clasicazo.



7- Le repàs

Se trata de una escena anecdótica y aparentemente espontánea. Louis Lumière filma a su hermano mientras desayuna, con su mujer y su hijo, en el jardín de su casa.
El padre es Auguste Lumiere. La niña es su hija, Andree Lumière y la mujer es Marguerite Lumière.
En realidad, la puesta en escena fue cuidadosamente preparada, pues al ser irremediablemente un plano general fijo debe quedar englobado todo aquello que se va a mostrar, además pretende ofrecer una cierta profundidad de campo a través de la puerta y la vegetación.



8- Le Saut a la couverture 

Otra película con peripecia que además está interpretada por el mismo actor que la anterior La voltige, así que de alguna manera podría tratarse del primer actor especialista (aunque algo cutre) de la historia del cine. Como en La voltige el elemento cómico que pretende producir el film es obvio.



9- La Place des Cordeliers à Lyon

Para terminar la sesión dos escenas cotidianas de verdad. Esta primera con la cámara situada como dice el título en la Plaza Cordeliers de Lyon. 


10- La mer

Y esta segunda, una escena del mar con cuatro hombres zambulléndose en la misma.


Luego vendría todo...

lunes, 31 de diciembre de 2018

Las mejores películas estrenadas en cines durante el 2018

Después de unos años en que mi top anual estaba ausente por estas lares, me ha apetecido terminar este 2018 con mi top-20 de películas estrenadas comercialmente en salas durante este año. Un poquito de todo y algunas maravillas. Porque pese a todo, el cine y el show deben continuar...


20- BOHEMIAN RHAPSODY (Bohemian Rhapsody), 2018
Director: Bryan Singer
País: Reino Unido

Biopic sobre Freedy Mercury y su banda, Queen, rodeado de polémica desde el momento en que despidieron a Bryan Singer de la dirección. Con críticas nefastas antes de su estreno y excelentes justo después, la película se ha convertido en uno de os fenómenos de masas de este año. Es cierto que Mercury es inimitable pero Rami Malek está fantástico. Es verdad que inventan demasiado y que no hacía falta. Pero ver la composición del Bohemian Rhapsody o la actuación del Live Aid bien vale su visionado. 


19- UN LUGAR TRANQUILO (A Quiet Place), 2018
Director: John Krakinski
País: EEUU

Terror, thriller, drama y distopía apocalíptica. Una mezcla que hizo de Un lugar tranquilo una de las sorpresas del año dentro del género fantástico. Con enorme éxito en taquilla y muy buenas críticas, la historia de una familia condenada al eterno silencio poseía algunos de los momentos más tensos de este 2018. Y el final era ejemplar. Parece ser que habrá segunda parte. Y a mí me parece que es una película que no debiera...pero ya sabemos que la taquilla manda. Veremos lo que sale.


18- LOS HAMBRIENTOS (Les affamés), 2017
Director: Robin Aubert
País: Canadá

Y seguimos con el terror, en este caso de zombis. Les affamés consigue, en especial a partir de su fotografía, parajes, encuadres y ritmo pausado, volver a hacer de un subgénero tan manido y explotado una cinta inquietante. Su primera mitad es oro. Luego cae en algunos de los tópicos del género, pero aguanta el tipo. Y el final deja un muy buen sabor de boca. No apta para amantes de ritmos endiablados, la cinta canadiense posee alguna secuencia que queda grabada en nuestra retina. Pura atmósfera.


17- MOST BEAUTIFUL ISLAND (Most Beuatiful Island), 2017
Directora: Ana Asensio
País: EEUU

La madrileña Ana Asensio sorprendió a principios de este año con un estimulante estreno que no debió pasar de tapadillo. Con un inicio muy indie americano sobre una sin papeles en busca de empleo, la cinta muta a thriller muy inquietante, muy sensual, cercano al espíritu de series como La dimensión desconocida o Alfred Hitchcock presenta. Asensio dirige, escribe y actúa. Y lleva el manejo de la tensión de maravilla. Una ópera prima muy inquietante de una directora a la que habrá que seguir.


16- SIN AMOR (LOVELESS) (Nelyubov), 2017
Director: Andrey Zvyagintsev
País: Rusia

Una pareja en crisis debe afrontar la desaparición de su hijo. Pero obviamente, el director Andrey Zvyagintsev (Leviatán, Elena, El regreso), no nos va a ofrecer un thriller al uso, sino una brutal disección del egoísmo y la estupidez humana, en parajes tan fríos como las propias relaciones personales de sus protagonistas. Sin compasión por ninguno de ellos, Sin amor resulta cruda, antipática y muy contundente. Con un final tremendo, de los que da que pensar. Otra joya de uno de los directores más en forma de la actualidad.


15- UN SOL INTERIOR (Un beau soleil interieur), 2017
Directora: Claire Denis
País: Francia

Claire Denis nos brinda esta fragmentada historia de una mujer madura que todavía busca infructuosamente el amor verdadero. Juliette Binoche compone un personaje lleno de dudas, de dilemas morales, de fragilidades, con una sensualidad hiriente que a veces se mezcla con un patetismo devastador. Como siempre, la directora francesa no nos lo pondrá nada fácil, pero los que consigan entrar en la psicología de esta mujer no la olvidarán fácilmente.


14-CUSTODIA COMPARTIDA (Jusqu'à la garde), 2017
Director: Xavier Legrand
País: Francia

Sorprendente e incómoda ópera prima, una película de la que es mejor no explicar mucho, ya que sorprende y mantiene la duda sobre sus personajes e intenciones. Drama que muta a thriller y casi a cine de terror cotidiano, nos explica la historia de un matrimonio que quieren la custodia de su hijo. Ella acusa al padre de violento, él a la madre de mentirosa. El hijo, víctima de la situación, en medio. Dura, sin concesiones y con interpretaciones brillantes. Muy tensa. Una primera película de altura.


13-LAZZARO FELIZ (Lazzaro felice), 2018
Directora: Alice Rohrwacher
País: Italia

La directora Alice Rohrwacher, que ya sorprendió en el 2014 con su película El país de las maravillas, depura su estilo y arrasa este año con Lazzaro feliz, una parábola sobre la bondad humana sobreviviendo en un mundo cruel e interesado. Con un ritmo pausado y escenas de un naturalismo conmovedor trufado con dosis de realismo mágico, Lazzaro feliz ha ganado importantísimos premios este año, entre ellos el de mejor guión en el Festival de Cannes.


12- THE FLORIDA PROJECT (The Florida Project), 2017
Director: Sean Baker
País: EEUU

Sean Baker es uno de los directores de cine indie americano más en forma en la actualidad, títulos como Starlet y Tangerine le habían dado fama entre el sector más cinéfilo. The Florida Project es su salto al gran público, con una historia muy fiel a su estilo. Colorista y vital dentro del drama que encierra, con esa frescura de sus personajes que casi nos parece improvisación, tan tierna como dura, reflejo de una sociedad de segunda, la que no alcanzó el sueño americano pero que vive, intensamente, como puede, como le dejan.


11- LUCKY (Lucky), 2017
Director: John Carroll Lynch
País: EEUU

Lucky va mucho más allá de su trama o de su dirección. Lucky es una despedida, la de Harry Dean Stanton. Actor mítico, con multitud de papeles secundarios y que ha trabajado a la orden de directores inmensos, en Lucky confunde su personaje con su vida y nos enseña su día a día, sus relaciones personales (con amigos como David Lynch en un pequeño y delirante papel) y su temor ante la inminente muerte. Tierna, triste, vital, pequeñita, enorme: como su actor. Un grande en su papel póstumo. Imposible no caer rendido.


10- EL REVERENDO (First Reformed), 2017
Director: Paul Schrader
País: EEUU

Tras unos años con un rumbo errático, Paul Scharder vuelve a ofrecernos un personaje atormentado digno de su talento. Ethan Hawke es un reverendo que perdió a su hijo en Irak, se siente responsable y culpable y vive intentando atenuar su dolor con su fe. Pero sus más bajos temores aflorarán de forma violenta al conocer a una pareja activista radical. El amor y el dolor se confundirán entonces en su vida, con final incierto. Intensidad, locura, redención, violencia, religión. El cóctel de Schrader. El que domina.


9- THELMA (Thelma), 2017
Director: Joachim Trier
País: Noruega

Thelma es una de esas películas con tintes fantásticos y ritmo lento que basa sus méritos en una malsana ambientación atmosférica. Nos habla de una adolescente con poderes y mucha represión que empieza a sentir el despertar sexual hacia una chica de su mismo sexo. Todo se confunde entonces en su cabeza y sus poderes se volverán peligrosos. Joachim Trier da en el clavo con esta mezcla de lesbianismo, religión y terror. Una cinta para dejarse llevar por los subconscientes, demencias y simbologías religiosas.


8- CARAS Y LUGARES (Visages villages), 2017
Directores: Agnès Varda,  Jean René
País: Francia

Una anciana Agnès Varda se junta con el joven artista gráfico JR y ambos recorren pueblos de Francia en busca de construir una historia que se transforme en película. Él creará sus grandes murales en edificios de diferentes localidades. Ella hablará con las personas de esos lugares. Y entre ambos artistas se creará una relación de admiración, respeto y cariño muy entrañable. Una pequeña joya con algunas imágenes antológicas e incluso un malo...que no os voy a desvelar.


7- LOVING VINCENT (Loving Vincent), 2017
Directores: Dorota Kobiela,  Hugh Welchman
País: Polonia

Loving Vincent es una auténtica delicia, una película de animación que es un regalo para los sentidos especialmente si eres fan de Van Gogh, ya que vas a vivir durante 80 minutos dentro de sus cuadros. Para lograrlo se pintaron al oleo 56.800 fotogramas por una gran cantidad de excelentes pintores a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y arte magistral de Van Gogh. A la maravilla visual le acompaña una triste e interesante historia que indaga, en forma de thriller, en el suicidio del pintor. Maravillosa.


6- LO QUE ESCONDE SILVER LAKE (Under the Silver Lake), 2018
Director: David Robert Mitchell
País: EEUU

Estimulante y a ratos desconcertante película del nuevo enfant terrible del cine americano, David Robert Mitchell (director de la sobrevalorada It Follows), Under the Silver Lake es una especie de búsqueda del tesoro que en su onírico deambular, mezcla Hitchcock, Paul Auster, Donnie Darko y hasta Lynch en un LA rebosante de cultura pop para hablarnos de la generación perdida de siempre. Quiere ser lo más cool hecho nunca. Y a ratos lo consigue.


5-QUIÉN TE CANTARÁ (Quién te cantará), 2018
Director: Carlos Vermut
País: España

Tercer largometraje de Carlos Vermut y tercera vez que nos enfrentamos a su personal universo, a medio camino entre lo sensual, lo terrorífico y lo freak. Y una vez más se acompaña de unas actrices inconmensurables. Eva LLorach está sublime, y Najwa Nimri es una diosa. Y por si falta poco canta Amaral. Magnética a más no poder, Quién te cantará trata de identidades y verdades ocultas, de traumas que duran una vida y de renacimientos inesperados. Y con el mar, siempre vigilante, siempre amenazante...


4-HEREDITARY (Hereditary), 2018
Director: Ari Aster
País: EEUU

En una año muy marcado por los éxitos del cine fantástico, una película de terror se lleva merecidamente un lugar en mi top-5, se trata de Hereditary, la ópera prima de Ari Aster que sorprendió a propios y extraños con una estimulante película de las que producen amor u odio instantáneo. Terror en estado puro, sin sustos gratuitos, que se cuece a fuego lento y que admite múltiples lecturas. El chasquido de la niña protagonista ya está en nuestras peores pesadillas. Por fin un blockbuster de terror a la altura.


3- ROMA (Roma), 2018
Director: Alfonso Cuarón
País: México

La gran sensación cinematográfica del año, la película de trama intimista rodada como Apocalypse Now, la mejor película según muchos, del año, de la década, de la historia del cine. De todo se ha oído. Y la verdad es que Cuarón quiere hacer una película enorme. Si le saliese mal haría el ridículo. Pero no. Es bueno. Y emociona, incomoda, recrea una época y un lugar con sus barridos de cámara y su hermoso blanco y negro. Un microcosmos del que es difícil escapar, pese a los aviones que lo sobrevuelan. Maravillosa.


2- EL HILO INVISIBLE (Phantom Thread), 2017
Director: Paul Thomas Anderson
País: EEUU

Mi reconciliación con Paul Thomas Anderson, tras algunas películas suyas con las que no conecté, viene con El hilo invisible. Una maravilla estética, cargada de delicadeza, sutileza, belleza y una muy imprevisible historia de amor y soledad, de delirio y poder, de dependencia, de miserias, de odios, de darlo todo o nada y morir en el intento. Con un Daniel Day-Lewis estratosférico, cada secuencia es oro, cada movimiento de cámara una pequeña maravilla, cada mirada un mundo. Superlativamente estimulante.


1- BURNING (Buh-ning), 2018
Director: Lee Chang-dong
País: Corea del Sur

El enorme director coreano regresa al cine tras su periplo político con la que quizás sea su película más accesible, pero con tantas capas que uno puede pasarse horas y horas pensándola. Basada en un relato de Murakami, Burning es como un Hitchcock seco y cargado de crítica social. Cada secuencia es perfecta y necesaria. Cada frase es un misterio sin resolver, cada certeza es incertidumbre al rato. Con la escena más maravillosa en años, Burning es estremecedora, sublime, de una galaxia superior. Top-5 de la década, seguro.


Feliz año 2019 a todos. Que el cine nos acompañe y nos ayude.